Les nouvelles fondations privées d’art en Chine
Le paysage de l’art contemporain en Chine entre dans une nouvelle phase.
De grands musées continuent d’apparaître à travers le pays. Parmi les projets les plus ambitieux figurent le Musée d’Art Contemporain de Suzhou, le Musée International d’Art de Shenzhen et le Musée d’Art de Wu Xi, qui combine l’art contemporain avec les traditions de la peinture à l’encre chinoise.
Certaines de ces institutions sont soutenues par les gouvernements locaux. D’autres sont liées à de grandes entreprises technologiques et à de grands groupes corporatifs.
Cependant, parallèlement à ces projets très visibles, une transformation plus discrète est en cours.
Des collectionneurs privés ouvrent des espaces d’art à l’intérieur de bureaux, d’immeubles résidentiels, d’anciennes usines et de maisons historiques. D’autres abandonnent complètement l’idée d’un musée permanent et créent des collections nomades qui apparaissent dans différents lieux tous les quelques années.
Ces initiatives sont souvent plus petites que les musées traditionnels, mais elles peuvent être plus flexibles. Elles offrent un espace pour l’art expérimental, soutiennent les artistes émergents et encouragent les relations entre mode, design, performance, image animée et culture visuelle contemporaine.
Niklas Chou et le 69 Art Campus à Pékin
À Pékin, le collectionneur Niklas Chou a intégré sa collection directement dans le siège de sa société de fabrication automobile.
Le projet, connu sous le nom de 69 Art Campus, occupe un bâtiment de bureaux rénové de style Bauhaus. Au lieu de séparer l’art de la vie professionnelle quotidienne, Chou a transformé le complexe d’entreprise en un espace d’exposition dispersé.
Plus de 20 artistes sont représentés à travers les bureaux.
Le public principal n’est pas constitué de visiteurs de musée ou de collectionneurs internationaux. Il s’agit des centaines d’employés qui rencontrent les œuvres en se déplaçant dans le bâtiment, en assistant à des réunions et en accomplissant leur travail quotidien.
La collection organise deux expositions par an, invitant un commissaire invité à développer un nouveau thème et à sélectionner les œuvres.
Une de ses expositions majeures, « Pharmakon », a été commissariée par Paul Frèches, qui a travaillé sur le projet Centre Pompidou x West Bund Museum à Shanghai.
L’exposition explorait différentes idées de guérison, de médecine et de transformation. Son titre faisait référence au concept grec ancien de pharmakon, une substance pouvant être à la fois remède et poison.
La présentation reliait la mythologie classique aux traditions chinoises et aux pratiques artistiques contemporaines. Parmi les artistes participants figuraient Huang Yuxing, Jean Dubuffet et Melvin Way.
Le 69 Art Campus démontre comment une collection d’entreprise peut devenir plus qu’une simple décoration pour les halls d’accueil et les salles de réunion.
Lorsque l’art est placé dans un environnement de travail, il fait partie de l’expérience quotidienne. Les employés rencontrent à plusieurs reprises les mêmes œuvres, remarquent de nouveaux détails et développent des relations personnelles avec des objets qu’ils ne visiteraient peut-être jamais dans un musée.
Zhou Chong et le 1690 Art Collection Space
Le collectionneur basé à Shanghai, Zhou Chong, a choisi un modèle plus intime.
Son 1690 Art Collection Space occupe un immeuble résidentiel dans le quartier historique de Huaihai, dans l’ancienne concession française de Shanghai.
La maison de trois étages ne cherche pas à imiter l’architecture monumentale d’un musée. Son échelle domestique est une partie délibérée du projet.
Zhou estime que les petits espaces culturels situés dans les quartiers centraux pourraient devenir de plus en plus importants pour les écosystèmes artistiques urbains.
Ils sont généralement moins coûteux à exploiter que les grands musées, plus faciles à adapter et plus accessibles aux habitants des environs. Les visiteurs peuvent découvrir l’art contemporain dans un environnement résidentiel familier plutôt que d’entrer dans une institution monumentale.
À l’intérieur du 1690 Art Collection Space, les œuvres sont exposées dans des pièces qui conservent l’atmosphère d’une maison privée.
Une des œuvres centrales de l’exposition permanente a été créée par l’artiste basé à Miami, Hernan Bas, spécialement pour Zhou après que l’artiste a visité le bâtiment.
Cette relation entre œuvre, collectionneur et lieu donne à la collection une identité personnelle. L’espace ne se contente pas d’exposer des objets acquis auprès de galeries ou lors de ventes aux enchères. Il crée aussi de nouvelles connexions entre les artistes et Shanghai.
Zhou collectionne des artistes chinois émergents ainsi que des figures internationales, en particulier des artistes liés au Sud global.
En les présentant ensemble, la collection crée des conversations qui ne peuvent pas facilement émerger dans les galeries commerciales, où les expositions sont souvent façonnées par des accords de représentation, des priorités de vente et des attentes du marché.
Les femmes collectionneuses redéfinissent la scène artistique chinoise
Un des changements les plus importants dans la collection en Chine est l’influence croissante des femmes.
Le rapport Art Basel et UBS Survey of Global Collecting 2025 a identifié les femmes fortunées de Chine continentale comme un groupe de mécènes du marché de l’art de plus en plus significatif.
Leur influence est visible non seulement dans la valeur des œuvres qu’elles acquièrent, mais aussi dans les types de projets qu’elles soutiennent.
Beaucoup de jeunes femmes collectionneuses s’intéressent aux pratiques expérimentales, au travail interdisciplinaire, aux résidences d’artistes et à une meilleure représentation des artistes femmes.
Plutôt que de se concentrer exclusivement sur la constitution de collections privées, elles créent des plateformes où artistes, designers, commissaires et chercheurs peuvent collaborer.
Cette tendance se manifeste dans des projets tels que Cheruby et Eclosion Collection + Projects.
Cherry Xu ouvre Cheruby à Shanghai
La collectionneuse Cherry Xu a lancé Cheruby à Shanghai à la fin de 2025.
L’espace occupe un bâtiment patrimonial construit en 1939 dans le district de Jing’an. Il fonctionne comme une plateforme hybride reliant l’art contemporain à la mode, au vêtement et au design.
Cheruby prévoit d’accueillir trois résidences d’artistes chaque année.
Son programme remet en question la séparation traditionnelle entre les vêtements portés sur les corps et les œuvres exposées dans les galeries. La mode n’est pas traitée comme un accessoire commercial de l’art, et l’art contemporain n’est pas placé au-dessus de l’artisanat, du vêtement ou du design.
La première artiste en résidence fut Bárbara Sánchez-Kane, artiste et créatrice de mode basée à Mexico.
Sánchez-Kane est connue pour un travail qui questionne le genre, l’autorité, l’identité et les règles sociales exprimées par le vêtement. Sa pratique oscille entre mode, sculpture, performance, peinture et texte.
Sa résidence à Cheruby s’est conclue en novembre 2025 par une exposition combinant sculptures, peintures, textes et vêtements.
Le projet a défini la direction du nouvel espace. Cheruby n’a pas vocation à fonctionner comme un showroom de mode conventionnel ou un musée privé. C’est un laboratoire où différentes disciplines créatives peuvent se confronter.
Selon Cherry Xu, beaucoup de jeunes femmes collectionneuses en Chine suivent une trajectoire similaire. Elles ne se contentent pas d’acquérir des œuvres finies. Elles veulent aussi créer des plateformes, soutenir l’expérimentation et favoriser la rencontre de différentes communautés créatives.
Michelle Yuan Bing et Eclosion Collection + Projects
Michelle Yuan Bing a développé un autre modèle avec Eclosion Collection + Projects.
L’organisation ne se concentre pas uniquement sur l’achat d’œuvres achevées. Elle soutient plutôt le développement intellectuel et créatif à long terme des artistes.
Ses initiatives ont inclus des documentaires d’artistes, des résidences de commissaires et des programmes axés sur la recherche.
Cette approche peut être décrite comme un mécénat non orienté vers un résultat.
Un artiste n’a pas nécessairement besoin de produire une exposition commercialement réussie ou un nouveau groupe d’objets collectionnables. Le soutien peut plutôt offrir du temps pour la recherche, l’expérimentation, la documentation ou l’interprétation académique.
Cela est particulièrement précieux pour des pratiques difficiles à vendre ou nécessitant de longues périodes de développement.
Pour l’une de ses expositions, Eclosion Collection + Projects a prévu de présenter une acquisition majeure de l’artiste française Sophie Calle intitulée Le Carnet d’adresses, créée en 1983.
Le projet a commencé lorsque Calle a trouvé un carnet d’adresses perdu dans une rue de Paris.
Elle en a copié le contenu avant de le rendre à son propriétaire, puis a contacté les personnes listées à l’intérieur. À travers des entretiens avec ses amis et collègues, Calle a construit le portrait d’un homme qu’elle n’avait jamais rencontré personnellement.
Cette œuvre soulève des questions dérangeantes sur la vie privée, la surveillance, l’identité et la propriété des informations personnelles.
L’acquisition d’une œuvre telle que Le Carnet d’adresses montre que les intérêts d’Eclosion vont au-delà de l’art décoratif visuel. La collection est prête à s’engager avec des pratiques conceptuelles dont l’importance réside dans les idées, la recherche et la tension sociale.
The Soil Collection sans musée permanent
Certains collectionneurs en Chine ne croient plus qu’une collection ait besoin d’un bâtiment permanent.
The Soil Collection, fondée par Vince Guo et Aria Yang, fonctionne comme une plateforme nomade. Yang est également directrice du programme de la Gallery Weekend Beijing.
Au lieu de maintenir une galerie conventionnelle, la collection présente des expositions majeures environ tous les deux ans dans des lieux changeants.
Ce modèle permet à chaque exposition de répondre à un bâtiment, une ville ou un contexte culturel différent.
Il réduit aussi la charge financière et administrative liée à la gestion d’un musée permanent. L’argent et l’énergie organisationnelle peuvent être dirigés vers les expositions, les commandes et le soutien aux artistes plutôt que vers l’entretien des propriétés.
The Soil Collection se concentre sur des projets qui peuvent avoir du mal à s’insérer dans le marché de l’art commercial car ils sont expérimentaux, complexes ou difficiles à vendre.
En 2024, la collection a organisé une exposition collective explorant le déplacement et l’identité changeante après la longue période de restrictions pandémiques en Chine.
L’exposition comprenait des artistes reconnus internationalement ainsi que des voix locales émergentes. Parmi les participants figuraient Sin Wai Kin, Philippe Parreno et Zhang Yibei.
Plutôt que de sélectionner les œuvres les plus célèbres ou immédiatement reconnaissables d’artistes établis, les organisateurs ont présenté des pièces moins familières.
Ce choix a permis à l’exposition d’éviter de devenir une vitrine des temps forts approuvés par le marché. Il a permis aux visiteurs de découvrir des aspects inattendus d’artistes qu’ils connaissaient peut-être déjà.
Coobe Wang, Sophia Luo et la Last Piece Collection
À Guangzhou, la Last Piece Collection est devenue une présence importante dans la scène artistique contemporaine régionale.
La collection a été fondée par l’ancien professionnel de la publicité Coobe Wang et son épouse, Sophia Luo.
Leurs intérêts incluent les installations multimédias, l’image animée, l’art conceptuel et les œuvres techniquement exigeantes qui peuvent être difficiles à exposer dans des maisons privées ou à vendre par les circuits commerciaux traditionnels.
La collection comprend des œuvres de Francis Alÿs, dont la pratique aborde fréquemment la politique, la migration et les systèmes sociaux, ainsi que de Julius von Bismarck, connu pour ses installations explorant la perception, la nature, la technologie et l’environnement.
Wang et Luo ont également transformé leur propre résidence en un espace d’exposition informel.
Ils vivent aux côtés d’installations d’artistes tels que Gabriel Rico et Daniel Firman, même lorsque les œuvres sont visuellement dérangeantes ou physiquement exigeantes.
Cette volonté d’intégrer de l’art difficile dans un environnement domestique révèle une distinction importante entre décorer et collectionner.
La décoration est généralement choisie pour créer du confort et une harmonie visuelle. La collection sérieuse peut au contraire introduire la rupture, l’incertitude et l’inconfort intellectuel dans la vie quotidienne.
Les fondateurs de la Last Piece Collection ont également joué un rôle dans la renaissance du Guangdong Times Museum.
À travers des expositions au musée et à la Shangrong Gallery de Guangzhou, ils ont contribué à faire connaître l’art expérimental à un public régional plus large.
Leur activité montre que l’avenir du mécénat privé en Chine ne se limitera pas à Pékin et Shanghai.
Guangzhou et d’autres villes développent leurs propres réseaux de collectionneurs, artistes, galeries et institutions indépendantes.
The PTSD Collection soutient les artistes LGBTQ
Chaque collection importante n’a pas besoin d’exploiter un musée public.
The PTSD Collection a été fondée par Sebastian Liang et Thomas Jiang, qui ont commencé à collectionner en 2013.
Ils ont depuis rassemblé environ 600 œuvres, avec un fort accent sur les artistes LGBTQ et l’art contemporain lié au Sud global.
La collection elle-même n’a pas encore été présentée dans une grande exposition publique.
Cependant, Liang et Jiang ont soutenu des projets externes qui augmentent la visibilité d’artistes et d’histoires culturelles encore sous-représentées.
Ces initiatives incluent la Chinese Queer Collection à l’Université de Leiden aux Pays-Bas.
Ils ont également soutenu l’International Visual Arts Exchange (IVAE) basé au Royaume-Uni, qui expérimente des modèles curatoriaux et de nouvelles formes d’échanges culturels entre régions.
The PTSD Collection représente une forme de mécénat moins visible.
Les collectionneurs n’ont pas besoin d’établir un bâtiment portant leur nom. Leur influence passe par le soutien à la recherche, les partenariats et les projets aidant les artistes à atteindre de nouveaux publics.
Pourquoi les jeunes collectionneurs évitent les musées traditionnels
Gérer un musée privé est coûteux et compliqué.
Les bâtiments nécessitent entretien, sécurité, personnel spécialisé, contrôle climatique, assurance et programmation à long terme. Les institutions publiques portent aussi des responsabilités sociales que les collectionneurs privés ne sont pas toujours prêts à assumer.
L’incertitude économique a rendu beaucoup de jeunes collectionneurs plus prudents quant à la création d’organisations permanentes.
Ils peuvent vouloir commander des œuvres, organiser des expositions et soutenir des artistes sans devenir responsables d’une grande institution.
Cela explique la croissance de modèles flexibles tels que les expositions temporaires, les résidences d’artistes, les espaces domestiques, les campus d’entreprise et les collections nomades.
Ces formats permettent aux collectionneurs de participer à la vie culturelle sans tenter de recréer un musée traditionnel.
Ils peuvent aussi réagir plus rapidement aux nouvelles idées.
Une grande institution peut planifier des expositions plusieurs années à l’avance. Une plateforme privée plus petite peut inviter un artiste, occuper un lieu inhabituel ou réagir à un débat culturel dans un délai beaucoup plus court.
L’écosystème artistique chinois devient plus décentralisé
La nouvelle génération de collections privées chinoises change les lieux où l’on peut rencontrer l’art contemporain.
L’art peut apparaître dans un bureau d’entreprise à Pékin, un immeuble résidentiel à Shanghai, une propriété historique à Jing’an, une maison privée à Guangzhou ou un lieu temporaire choisi par une collection nomade.
Ce changement modifie aussi la géographie de l’influence culturelle.
Pékin et Shanghai restent au cœur du marché de l’art chinois, mais des initiatives menées par des collectionneurs émergent à Guangzhou et dans d’autres villes.
L’intérêt croissant pour les artistes du Sud global crée des connexions entre la Chine, l’Amérique latine, l’Afrique, l’Asie du Sud-Est, le Moyen-Orient et les diasporas internationales.
Parallèlement, les collectionneurs soutiennent des pratiques qui ne s’intègrent pas facilement dans les systèmes commerciaux.
Les résidences d’artistes, les œuvres conceptuelles, la performance, les installations multimédias et les projets basés sur la recherche nécessitent souvent des ressources sans produire d’objets immédiatement vendables.
Le mécénat privé peut fournir cette infrastructure manquante.
Le développement le plus significatif n’est donc pas simplement que davantage de personnes fortunées ouvrent des espaces d’art.
C’est que les collectionneurs reconsidèrent ce qu’une institution artistique peut être.
Note éditoriale
ArtExpoWorld estime que les nouvelles fondations privées en Chine révèlent un changement important dans la collection contemporaine.
Le modèle traditionnel reposait sur l’acquisition d’objets prestigieux et leur placement éventuel dans un musée portant le nom du collectionneur. Les projets créés par Niklas Chou, Zhou Chong, Cherry Xu, Michelle Yuan Bing, Vince Guo, Aria Yang, Coobe Wang, Sophia Luo, Sebastian Liang et Thomas Jiang offrent une vision différente.
Leurs collections fonctionnent à travers des bureaux, des maisons, des résidences, des expositions temporaires, des programmes de recherche et des partenariats.
Cette flexibilité peut offrir aux artistes expérimentaux des opportunités que les galeries commerciales et les grandes institutions sont incapables ou peu disposées à fournir.
Cependant, les plateformes culturelles privées dépendent aussi fortement des intérêts et des finances de leurs fondateurs. Un projet peut changer d’orientation ou disparaître lorsque les priorités d’un collectionneur évoluent. Pour que ces initiatives créent une valeur durable, elles ont besoin d’une documentation professionnelle, de programmes transparents et de relations significatives avec les artistes et les communautés locales.
Les exemples les plus forts ne sont pas des monuments à la richesse personnelle. Ce sont des structures culturelles actives qui rendent possible un art inhabituel et élargissent le nombre de voix représentées dans le monde de l’art.