Pourquoi « Acheter ce que vous aimez » ne suffit pas pour collectionner de l’art
« Acheter ce que vous aimez » est peut-être le conseil le plus courant donné aux nouveaux collectionneurs d’art.
Cela semble raisonnable.
L’art est personnel, et personne ne devrait dépenser une somme importante pour une œuvre qui ne suscite aucune émotion.
Mais l’amour seul ne construit pas une collection solide.
Un collectionneur peut tomber amoureux de dizaines d’objets sans lien entre eux, faire des achats impulsifs et finir par découvrir que la collection n’a pas d’identité claire.
Certaines œuvres peuvent être impossibles à exposer. D’autres peuvent manquer de documentation complète, avoir des prix inappropriés ou ne présenter aucun lien significatif avec les intérêts en évolution du propriétaire.
L’émotion doit initier le processus de collection.
La recherche, la discipline et la connaissance de soi sont ce qui transforme des achats individuels en une collection.
Commencez par votre propre histoire visuelle
Carola Wiese, spécialiste senior en conseil artistique chez UBS, commence son travail avec de nouveaux collectionneurs en apprenant à connaître la personne plutôt qu’en recommandant immédiatement des artistes.
Elle s’enquiert de l’enfance, du contexte culturel, de l’éducation et des premières rencontres avec l’art.
Une visite favorite au musée, une maison familiale, l’architecture, les livres, la mode, la musique et les voyages peuvent tous façonner le goût visuel.
Wiese décrit ce processus comme une forme d’archéologie visuelle.
Les collectionneurs croient souvent que leurs préférences sont apparues naturellement.
En réalité, le goût se développe à travers des expériences accumulées.
Quelqu’un élevé dans un environnement d’architecture moderne peut être sensible à l’abstraction géométrique. Une personne profondément connectée à la nature peut être attirée par le paysage, la sculpture organique ou l’art environnemental.
Un autre collectionneur peut réagir fortement à des œuvres traitant de la migration en raison d’une histoire personnelle ou familiale.
Comprendre ces influences ne réduit pas le mystère de l’art.
Cela aide le collectionneur à reconnaître pourquoi certaines œuvres suscitent une réponse répétée.
Décidez comment vous souhaitez vivre avec l’art
Une œuvre d’art n’existe pas seulement au moment de l’achat.
Elle doit être exposée, stockée, entretenue ou prêtée.
Avant d’acheter, considérez où l’œuvre va vivre.
Sera-t-elle accrochée dans une maison, un bureau ou une institution publique ?
L’espace peut-il accueillir sa taille et son matériau ?
Requiert-elle une lumière, une humidité contrôlées, une installation spécialisée ou un équipement technique ?
Certains jeunes collectionneurs, particulièrement en Asie, savent dès le départ que les œuvres majeures ne resteront pas chez eux. Ils ont l’intention de les prêter à des institutions ou de les utiliser dans des projets accessibles au public.
D’autres collectionneurs veulent un contact quotidien avec l’art.
Carola Wiese a suggéré que le premier achat devrait être une œuvre qu’une personne serait heureuse de croiser dans les moments les plus ordinaires de la vie quotidienne.
C’est un test utile.
Une œuvre peut sembler excitante sous un bon éclairage et entourée d’une activité sociale. Le collectionneur doit imaginer la voir à plusieurs reprises après la disparition de cette atmosphère.
Définissez une philosophie pour la collection
Une collection devient plus forte lorsqu’elle a une direction curatoriale reconnaissable.
Cela ne nécessite pas de collectionner uniquement un artiste, un pays ou un médium.
La connexion peut être thématique plutôt que visuelle.
Une collection pourrait explorer le corps humain, la mémoire politique, l’architecture, l’abstraction, l’identité numérique ou les relations entre l’artisanat et l’art contemporain.
Elle peut se concentrer sur une génération, une région ou un groupe d’artistes dont les histoires se croisent.
La direction peut aussi être personnelle.
Les collectionneurs Paul Ettlinger et Raimund Berthold ont développé une collection centrée en grande partie sur la sculpture.
Leurs œuvres comprennent des pièces d’Alvaro Barrington, Isa Genzken, Charline von Heyl et Franz West.
Environ 50 œuvres sont exposées dans leur maison, tandis que des centaines d’autres sont conservées en réserve.
La collection n’a pas commencé avec une discipline parfaite.
Ettlinger a d’abord acheté des œuvres britanniques modernes à l’université.
Plus tard, lui et Berthold ont acquis des estampes d’Andy Warhol lorsque ces œuvres étaient accessibles pendant le séjour de Berthold à New York.
Au fur et à mesure de leur connaissance, ils ont commencé à travailler avec un conseiller artistique et ont créé une philosophie plus ciblée.
Les premiers achats faisaient partie de l’apprentissage.
Acceptez que vos premiers achats soient des pièces d’apprentissage
Le goût évolue.
Un nouveau collectionneur peut initialement choisir des œuvres parce qu’elles sont visuellement attrayantes, abordables ou associées à un artiste familier.
Après avoir visité plus d’expositions et d’ateliers, le collectionneur peut s’intéresser à différentes périodes, matériaux ou idées.
Carola Wiese qualifie certains premiers achats de pièces d’apprentissage.
Ils révèlent ce que le collectionneur appréciait autrefois et comment son regard s’est développé.
Il n’y a rien de honteux à dépasser une œuvre.
Le danger réside dans l’achat négligent parce que chaque première œuvre serait censée devenir jetable.
La première acquisition doit néanmoins être choisie sérieusement.
Les collectionneurs doivent demander des documents appropriés, examiner le prix et réfléchir à la possibilité que l’œuvre reste significative même si leurs intérêts évoluent.
Certaines pièces d’apprentissage restent dans les collections en permanence parce qu’elles représentent le début du parcours.
Construisez des relations à long terme avec les galeries
Une bonne galerie peut devenir l’une des sources d’éducation les plus importantes pour le collectionneur.
Les collectionneurs doivent regarder au-delà des œuvres individuelles et étudier le programme plus large de la galerie.
Quels artistes représente-t-elle ?
Les soutient-elle dans les périodes difficiles ?
Produit-elle des expositions, des publications et des opportunités institutionnelles ?
Quand un collectionneur respecte l’approche de la galerie, rester connecté peut conduire à des achats plus solides.
La galerie peut offrir un accès anticipé à de nouvelles œuvres, organiser des visites d’atelier et expliquer comment la pratique d’un artiste s’est développée.
Paul Ettlinger a souligné l’importance de trouver des galeries dont les programmes et les personnes sont compatibles avec la propre vision du collectionneur.
Les relations bâtissent aussi la confiance.
Un collectionneur qui soutient régulièrement une galerie peut avoir accès à des œuvres non proposées aux acheteurs inconnus.
En retour, le collectionneur doit respecter les conditions de paiement, la confidentialité et les efforts de la galerie pour placer les œuvres avec soin.
Utilisez des conseillers sans renoncer à votre jugement
Un conseiller artistique peut aider les collectionneurs à comprendre les prix, la provenance, l’état, la logistique et la structure du marché.
Les conseillers peuvent aussi identifier les lacunes dans une collection et présenter des artistes hors du réseau existant du collectionneur.
Mais un conseiller ne doit pas remplacer le jugement personnel.
Le collectionneur doit toujours répondre à l’œuvre.
Une collection choisie entièrement par une autre personne peut être organisée financièrement mais vide émotionnellement.
La relation la plus forte est collaborative.
Le conseiller apporte des connaissances, pose des questions difficiles et évite des erreurs évitables.
Le collectionneur définit le but et accepte finalement la responsabilité de la décision.
Avant d’engager un conseiller, comprenez comment il est rémunéré.
Certains facturent des honoraires fixes ou horaires. D’autres reçoivent un pourcentage des achats.
Toute relation financière avec des galeries ou des vendeurs doit être divulguée.
Les mentors peuvent affiner le regard d’un collectionneur
Toute orientation ne vient pas de conseillers rémunérés.
Artistes, conservateurs, directeurs de musées et collectionneurs expérimentés peuvent devenir mentors.
L’entrepreneur basé à Zurich Ryan Zurrer est entré dans la collection d’art via la cryptomonnaie et est devenu un soutien précoce de l’art numérique.
Il a acquis des œuvres de Beeple, dont le vrai nom est Michael Winkelmann, à l’époque où la technologie blockchain rendait possibles de nouvelles formes de rareté numérique.
Zurrer a ensuite développé des relations avec des figures expérimentées du monde de l’art, notamment Hans Ulrich Obrist, Carolyn Christov-Bakargiev et Uli Sigg.
Ces mentors l’ont aidé à comprendre non seulement des œuvres individuelles mais aussi le système culturel plus large des musées, galeries, expositions et recherches.
Le mentorat est particulièrement utile dans les domaines émergents.
Quand un médium n’a pas encore une longue histoire aux enchères ou des règles établies de conservation, les collectionneurs ont besoin de personnes qui comprennent l’importance artistique au-delà des prix actuels.
Une collection a besoin d’une ligne curatoriale
Les œuvres de Ryan Zurrer comprennent plusieurs centaines d’œuvres numériques et un nombre plus restreint de pièces physiques.
Son approche repose sur l’identification d’œuvres susceptibles de devenir des exemples culturellement importants de la pratique numérique.
La collection inclut des artistes tels que Beeple et Refik Anadol.
Zurrer n’acquiert pas simplement chaque nouveau projet basé sur la technologie.
Il cherche une connexion entre les œuvres et considère comment elles contribuent à l’histoire en développement de l’art numérique.
C’est la différence entre accumulation et collection.
L’accumulation est la possession de nombreux objets.
Une collection crée des relations entre eux.
La connexion peut ne pas être évidente pour chaque spectateur, mais le collectionneur doit pouvoir expliquer pourquoi les œuvres appartiennent ensemble.
Suivez les artistes dans le temps
Une collection peut s’approfondir en acquérant plusieurs œuvres du même artiste.
Le premier achat peut introduire le collectionneur à une période ou un médium.
Les acquisitions ultérieures peuvent montrer comment la pratique évolue.
Ettlinger et Berthold ont tendu à consolider leur collection en ajoutant des œuvres d’artistes qu’ils possèdent déjà.
Une pièce de leur maison contient huit œuvres de Sarah Lucas, et ils continuent à chercher d’autres exemples.
Collectionner en profondeur peut produire une image plus significative que d’acheter une œuvre de chaque artiste à la mode.
Cela peut inclure des périodes précoces et mûres, des œuvres majeures et expérimentales ou des pièces dans différents médiums.
Les collectionneurs doivent néanmoins maintenir des standards.
Soutenir un artiste ne signifie pas acheter chaque œuvre disponible.
Chaque acquisition doit renforcer la relation entre l’artiste et la collection plus large.
Pensez au stockage avant d’acheter davantage
Beaucoup de collections deviennent finalement plus grandes que les espaces disponibles pour les exposer.
Ettlinger et Berthold conservent des centaines d’œuvres en réserve.
Le stockage engendre des coûts et des responsabilités.
Les œuvres nécessitent une gestion d’inventaire, une assurance, des conditions environnementales appropriées et des inspections périodiques.
Un collectionneur doit savoir exactement où se trouve chaque objet.
Les dossiers numériques doivent inclure des photographies, dimensions, factures, provenance et rapports d’état.
Une grande collection sans documentation professionnelle peut devenir vulnérable aux dommages, pertes et confusions.
Les collectionneurs doivent aussi se demander si les achats continus améliorent la collection ou remplissent simplement l’espace de stockage.
La consolidation peut impliquer d’acheter moins d’œuvres mais plus importantes.
Elle peut aussi signifier prêter, vendre ou donner des pièces qui ne correspondent plus à la direction curatoriale.
Ne traitez pas l’art comme un investissement financier ordinaire
L’art peut prendre de la valeur.
Certains collectionneurs réalisent des profits substantiels lors de la revente.
Mais la croissance future du prix ne doit pas être la seule raison d’acheter.
L’art est illiquide. Les transactions sont coûteuses, la demande peut changer et les œuvres individuelles varient grandement en qualité.
Deux pièces du même artiste peuvent produire des résultats complètement différents.
Carola Wiese décrit l’art principalement comme un actif culturel et passionnel plutôt qu’un investissement financier conventionnel.
Cela ne signifie pas ignorer le prix.
Les collectionneurs doivent éviter de surpayer, étudier les ventes comparables et comprendre les risques financiers.
La distinction concerne la motivation.
Une personne achetant uniquement pour la revente peut abandonner l’œuvre dès que le marché faiblit.
Un collectionneur engagé culturellement peut continuer à soutenir les artistes, expositions et recherches à travers différents cycles de marché.
Laissez la collection évoluer
Une direction curatoriale ne doit pas devenir une prison.
Les collectionneurs ont besoin de place pour la surprise.
Une œuvre inattendue peut révéler une connexion qui n’était pas visible au début de la collection.
Un focus sur la sculpture pourrait conduire vers la performance, l’installation ou l’architecture.
L’intérêt pour l’abstraction historique pourrait évoluer vers l’art numérique génératif.
La collection peut changer au fil de la vie du collectionneur.
De nouvelles relations, voyages et expériences personnelles peuvent créer des priorités différentes.
L’important est que le changement soit conscient.
Le collectionneur doit périodiquement revoir la collection et se poser les questions :
Quelles œuvres restent centrales ?
Quels artistes méritent une représentation plus approfondie ?
Qu’est-ce qui manque ?
Quels achats ont été principalement motivés par la pression ou la mode ?
Où la collection doit-elle aller ensuite ?
Créez un héritage avant que cela ne devienne urgent
Une collection forte nécessite finalement un plan pour son avenir.
Les collectionneurs doivent décider s’ils veulent que les œuvres restent ensemble ou si une division est acceptable.
Ils doivent parler avec les membres de la famille, les conseillers juridiques et les institutions avant que la maladie ou l’héritage ne rendent les décisions urgentes.
Les musées acceptent rarement des collections entières sans conditions.
Un don peut nécessiter un financement pour la conservation, le stockage ou l’exposition.
Certaines œuvres peuvent mieux convenir à différentes institutions.
D’autres peuvent devoir être vendues pour soutenir une fondation ou un patrimoine familial.
Une documentation claire et une déclaration curatoriale écrite aident les futurs propriétaires à comprendre ce que la collection était censée représenter.
Sans ce contexte, une vie de collection minutieuse peut rapidement devenir une simple liste d’actifs.
Un cadre pratique pour les nouveaux collectionneurs
Avant d’acheter, posez-vous les questions suivantes :
L’œuvre suscite-t-elle une réponse authentique après plusieurs regards ?
Comprends-je la pratique de l’artiste ?
Le prix est-il cohérent dans le marché de l’artiste ?
Où l’œuvre sera-t-elle exposée ou stockée ?
Quels documents seront fournis ?
Comment se rapporte-t-elle aux œuvres que je possède déjà ?
La voudrais-je encore si personne ne promettait que son prix augmenterait ?
Puis-je expliquer pourquoi elle appartient à ma collection ?
Vous n’avez pas besoin de réponses parfaites à chaque question.
L’objectif est de ralentir la décision suffisamment pour distinguer l’intérêt durable de l’excitation passagère.
Note éditoriale
ArtExpoWorld considère que « acheter ce que vous aimez » reste un conseil précieux, mais incomplet.
L’amour protège les collectionneurs de constituer des collections basées uniquement sur le statut, la mode ou les promesses de rendement financier.
En même temps, cette phrase peut devenir une excuse pour des achats impulsifs.
Un collectionneur sérieux doit combiner la réponse émotionnelle avec la recherche, la connaissance de soi et la discipline.
Le but n’est pas de supprimer le plaisir de collectionner. C’est de rendre ce plaisir durable.
Les collections les plus mémorables reflètent généralement à la fois la personnalité du collectionneur et une compréhension claire de l’art.
Ils contiennent de la surprise, mais pas du chaos. Ils évoluent, mais ne se contentent pas de suivre les tendances.
Achetez avec votre cœur, mais assurez-vous que vos yeux et votre esprit sont aussi impliqués.