Matt Zhang et l’avenir de la collection d’art numérique
Matt Zhang n’a pas commencé comme collectionneur de NFT, d’intelligence artificielle ou d’art génératif.
Dans la vingtaine à Londres, il s’intéressait davantage à la peinture traditionnelle. Ses premières acquisitions comprenaient des œuvres d’artistes victoriens tels que John William Godward et Frank Dicksee.
À cette époque, l’art numérique ne faisait pas partie de sa stratégie de collection.
Son orientation a changé après que Zhang a découvert le Bitcoin et les cryptomonnaies en 2014.
Son parcours professionnel en finance rendait la technologie blockchain particulièrement intéressante pour lui. Il la comprenait non seulement comme une classe d’actifs spéculatifs, mais comme une nouvelle infrastructure capable de transformer la propriété, l’authentification et l’échange numérique.
À partir de là, ses intérêts pour la finance, l’art, l’intelligence artificielle et la blockchain ont progressivement commencé à se fusionner.
En 2019, Zhang explorait activement les NFT. Entre 2019 et 2021, il a acheté un grand nombre de collectibles numériques, y compris plusieurs CryptoPunks, qu’il a ensuite revendus.
Ce qui avait commencé comme une expérience est devenu une pratique sérieuse de collection.
De Wall Street à Hivemind Capital Partners
Zhang a travaillé plus de 15 ans dans la finance à Londres et à New York.
En 2021, il a fondé Hivemind Capital Partners, une société d’investissement basée à New York, spécialisée dans le Web3, la technologie blockchain et l’économie numérique.
L’activité d’investissement de la société a créé un lien naturel avec la culture numérique.
Zhang croyait que la croissance des nouvelles technologies finirait par produire de nouveaux mouvements artistiques et de nouvelles générations de collectionneurs.
Il a ensuite lancé le Hivemind Digital Culture Fund.
Ce fonds a été créé comme une collection sélectionnée de NFT, d’art génératif et d’œuvres produites avec intelligence artificielle.
Son objectif n’était pas simplement d’accumuler des tokens numériques populaires.
Zhang voulait identifier des artistes et des œuvres pouvant s’inscrire dans l’histoire plus longue de la culture numérique.
Cette distinction est essentielle.
Internet contient une quantité presque illimitée d’images et de collectibles numériques. Seul un petit pourcentage peut être qualifié d’art numérique sérieux, et un groupe encore plus restreint peut conserver une importance historique durable.
Starbase 2050 par Huang Rui
Une des acquisitions importantes récentes de Zhang est Starbase 2050, créée en 2024 par l’artiste chinois Huang Rui.
Cette vidéo rendue en trois dimensions explore le voyage spatial et la civilisation humaine future.
Zhang a découvert Huang Rui après que l’œuvre de l’artiste a attiré l’attention d’Elon Musk sur X.
Il a ensuite acquis Starbase 2050 lors d’une vente aux enchères chez Sotheby’s.
Le parcours de la découverte sur les réseaux sociaux à l’achat aux enchères reflète la manière dont la collection numérique fonctionne de plus en plus.
Les artistes peuvent atteindre un public international sans passer d’abord par un système traditionnel de galeries.
Les collectionneurs peuvent découvrir de nouvelles œuvres via X, Instagram, Discord ou des communautés en ligne avant de les voir dans un musée ou une foire.
Cependant, la visibilité seule ne prouve pas l’importance artistique.
Les collectionneurs doivent encore examiner la cohérence de la pratique de l’artiste, la profondeur conceptuelle de l’œuvre et sa relation avec les développements plus larges de l’art et de la technologie.
Sougwen Chung et Spectral
Zhang a également acquis Spectral, créée en 2024 par l’artiste canado-chinoise Sougwen Chung.
Chung est basée à Londres et est reconnue pour combiner dessin, intelligence artificielle et systèmes robotiques.
Sa pratique examine fréquemment la relation entre les gestes humains et les mouvements générés par la machine.
Spectral a été présenté au Forum économique mondial de Davos.
L’œuvre reflète une question centrale dans l’art numérique contemporain : l’intelligence artificielle peut-elle devenir plus qu’un simple outil de production ?
Dans la pratique de Chung, la technologie ne remplace pas simplement la main de l’artiste.
Elle devient une collaboratrice.
L’humain et la machine apprennent l’un de l’autre, produisant des images qu’aucun des deux ne pourrait créer indépendamment.
Pour les collectionneurs, les œuvres de ce type exigent une attention à la fois au résultat visible et au processus sous-jacent.
Le logiciel, les données, les systèmes robotiques et les instructions peuvent être aussi importants que l’image finale.
Emily Xie et la mémoire culturelle à travers le code
Une autre artiste collectionnée par Zhang est Emily Xie.
Cette artiste générative basée à New York utilise le code pour créer des compositions visuelles complexes.
Son travail fait souvent référence au patrimoine culturel asiatique, aux textiles, aux systèmes de motifs et aux formes de mémoire héritée.
L’art génératif est créé selon des règles établies par l’artiste.
L’artiste écrit du code ou construit un système capable de produire différents résultats visuels.
Cela ne signifie pas que l’ordinateur crée l’œuvre de manière autonome.
L’artiste décide de la logique, des limites, de la direction esthétique et des conditions dans lesquelles l’image se développe.
Collectionner de l’art génératif implique donc de comprendre à la fois la paternité et la variation.
Certaines œuvres existent comme des résultats uniques.
D’autres font partie de séries plus larges où chaque résultat est différent mais généré par le même système artistique.
L’art numérique peut aussi avoir une forme physique
Zhang ne pense pas que l’art numérique doive rester enfermé dans un téléphone ou un ordinateur portable.
Il expose des œuvres sur quatre écrans et prévoit d’en ajouter davantage.
Il collectionne également des impressions physiques et des peintures liées à des projets numériques.
Un exemple concerne Alpha Centauri Kid.
Le Hivemind Digital Culture Fund a acquis une œuvre numérique de cet artiste, qui a également produit cinq peintures physiques uniques liées à la série.
Une de ces peintures est exposée dans les bureaux de Hivemind.
Pour Zhang, la version physique crée une expérience différente.
C’est un développement important dans la collection numérique.
De nombreux artistes travaillent désormais à la fois sur des formats numériques et physiques.
Une œuvre numérique peut être accompagnée d’une impression, d’une peinture, d’une sculpture, d’un affichage personnalisé ou d’une installation.
Les collectionneurs doivent se demander si ces différents éléments forment une seule œuvre ou des éditions séparées.
La réponse influence la propriété, la rareté et la revente future.
Pourquoi les collectionneurs traditionnels restent sceptiques
L’art numérique fait encore face à la résistance de nombreux collectionneurs traditionnels.
Une raison est historique.
L’art informatique existe depuis environ un demi-siècle, mais les pratiques natives crypto et natives IA sont beaucoup plus récentes.
Les collectionneurs connaissent la conservation des peintures à l’huile, des sculptures en bronze et des œuvres sur papier.
Ils peuvent se sentir moins confiants face aux fichiers, portefeuilles blockchain, dépendances logicielles et technologies d’affichage changeantes.
La présentation est un autre obstacle.
Une grande œuvre numérique vue sur un petit écran de téléphone peut sembler moins impressionnante que sur un grand écran de musée.
La plupart des collectionneurs traditionnels n’ont pas d’écran de 100 pouces installé chez eux.
L’infrastructure physique nécessaire pour exposer correctement l’art numérique peut donc sembler étrangère ou peu pratique.
La volatilité des cryptomonnaies a aussi entamé la confiance.
Lorsque les prix des cryptos se sont effondrés et que des projets NFT spéculatifs ont disparu, l’art numérique a subi des conséquences réputationnelles.
Les collectionneurs ont souvent traité les artistes sérieux et les tokens purement commerciaux comme faisant partie du même marché.
Les NFT ne sont pas la même chose que l’art numérique
Un NFT est un enregistrement technologique de propriété.
Ce n’est pas automatiquement une œuvre d’art.
Un token peut représenter un accès, une adhésion, une image, un collectible ou un instrument financier.
L’art numérique doit être évalué selon la qualité artistique, le contexte et la signification historique.
Les œuvres numériques les plus fortes utilisent la technologie parce qu’elle est nécessaire au concept.
Elles explorent des questions telles que l’identité, l’intelligence artificielle, l’automatisation, la surveillance, les environnements virtuels, les communautés en ligne et l’avenir de la créativité humaine.
Une image faible ne devient pas importante simplement parce qu’elle est stockée sur une blockchain.
Les collectionneurs doivent donc séparer la nouveauté technique de la substance artistique.
Les artistes qui mènent le changement
Zhang identifie plusieurs artistes comme des figures importantes dans le développement actuel de l’art numérique.
Ils incluent Huang Rui, Emily Xie, Sougwen Chung, XCOPY, Tyler Hobbs, Beeple et Refik Anadol.
Ces artistes représentent différentes approches.
XCOPY est associé à la culture visuelle native crypto et aux images numériques animées.
Tyler Hobbs est connu pour ses systèmes génératifs et son abstraction algorithmique.
Beeple, dont le vrai nom est Mike Winkelmann, est devenu l’une des figures les plus visibles du boom des NFT.
Refik Anadol crée des installations à grande échelle de données et d’intelligence artificielle.
La diversité de ces pratiques démontre que l’art numérique ne peut pas être compris comme un style unique.
C’est un champ large contenant de nombreuses technologies, histoires et intentions artistiques.
La plus grande erreur de Zhang a été d’acheter trop
Zhang pense avoir bien suivi son instinct lorsqu’il a commencé à collectionner.
Il aimait vraiment les œuvres qu’il achetait.
Sa principale erreur a été d’acheter trop largement et trop rapidement.
C’est un problème courant sur les nouveaux marchés.
Un collectionneur découvre un domaine passionnant, voit beaucoup d’artistes inconnus et ressent la pression d’acquérir autant que possible avant que les prix n’augmentent.
Le résultat peut être une collection dispersée avec peu de profondeur.
Zhang croit maintenant qu’il aurait dû passer plus de temps à rencontrer les artistes et à comprendre leurs motivations.
Le contact personnel peut changer la façon dont un collectionneur comprend une œuvre.
Savoir pourquoi un artiste utilise une technologie ou un langage visuel particulier crée plus de confiance que de simplement suivre la popularité en ligne.
Son conseil est clair : acheter moins d’œuvres et passer plus de temps à observer.
Les œuvres importantes comptent plus qu’une longue liste de noms
Une collection forte n’a pas besoin d’inclure des centaines d’artistes.
Zhang soutient que les meilleurs collectionneurs possèdent souvent des œuvres significatives d’un nombre plus restreint d’artistes clés.
Cela crée de la profondeur.
Une œuvre importante peut révéler plus sur un artiste que plusieurs achats mineurs choisis uniquement pour couvrir différents noms.
Collectionner en profondeur peut impliquer de suivre un artiste sur plusieurs années, technologies ou corpus d’œuvres.
Le collectionneur commence à comprendre comment la pratique évolue et quelles pièces représentent de véritables tournants.
Cette approche rend aussi la collection plus facile à expliquer.
Un groupe clair d’œuvres importantes crée une identité culturelle plus forte qu’un assortiment aléatoire de projets à la mode.
Où découvrir les artistes numériques
Les artistes numériques sont particulièrement actifs en ligne.
X, Instagram et Discord restent des plateformes importantes.
Les artistes les utilisent pour partager des œuvres en cours, discuter de technologie, annoncer des sorties et soutenir d’autres artistes.
Les collectionneurs peuvent apprendre beaucoup en observant ces réseaux.
Quand un artiste respecté parle régulièrement d’un autre créateur, cela peut révéler un talent émergent.
Les événements hors ligne restent tout aussi importants.
Les artistes numériques participent à des foires, expositions, conférences et rencontres informelles.
Les collectionneurs devraient combiner recherches en ligne et expériences physiques autant que possible.
Voir une œuvre numérique à grande échelle en personne peut révéler le mouvement, le son, la résolution et l’impact spatial impossibles à juger sur un téléphone.
Sécurité et stockage à froid
L’art numérique nécessite une garde sécurisée.
Lorsque les NFT ou autres actifs basés sur blockchain sont stockés on-chain, le collectionneur doit protéger l’accès au portefeuille.
Zhang recommande le stockage à froid.
Un portefeuille froid garde les clés privées à l’écart des appareils connectés à Internet, réduisant le risque de piratage.
Le principe est similaire à la protection d’une peinture physique précieuse.
Un collectionneur ne placerait pas un Basquiat dans un couloir public non sécurisé.
Les œuvres numériques doivent recevoir la même rigueur.
Les collectionneurs doivent maintenir des sauvegardes, documenter les adresses de portefeuille et créer des instructions de succession sécurisées.
Un NFT précieux peut être perdu définitivement si les clés d’accès disparaissent.
Vivre avec l’art numérique
Zhang croit que l’art doit être visible chaque jour.
C’est pourquoi il utilise des écrans et des impressions physiques plutôt que de laisser les œuvres numériques cachées dans un portefeuille.
Les collectionneurs doivent réfléchir attentivement à l’exposition.
Les questions incluent :
Quelle taille d’écran est nécessaire ?
L’œuvre inclut-elle du son ?
Doit-elle fonctionner en continu ?
Un logiciel spécialisé est-il nécessaire ?
Le matériel peut-il être remplacé ?
L’artiste fournit-il des instructions d’installation ?
Le fichier peut-il être migré vers des formats futurs ?
Le collectionneur doit aussi vérifier si une impression physique est autorisée par l’artiste.
Imprimer une œuvre numérique de manière indépendante peut violer les droits d’auteur ou les conditions d’édition.
Ne pas collectionner au-delà de ses capacités financières
Zhang conseille aux nouveaux collectionneurs de ne pas dépenser au-delà de leurs moyens.
Les marchés numériques peuvent créer une forte pression.
Les prix évoluent rapidement, les communautés en ligne génèrent de l’excitation et les collectionneurs peuvent craindre de manquer une opportunité.
Le résultat peut être des achats irrationnels.
Un collectionneur doit acheter des œuvres qu’il apprécierait encore si le prix du marché chutait drastiquement.
Vendre une œuvre précieuse plus tard peut fournir des fonds pour de nouvelles acquisitions.
Mais la revente ne doit pas être la raison initiale de chaque achat.
Les collectionneurs qui entrent uniquement pour le profit risquent d’être déçus.
Note éditoriale
ArtExpoWorld estime que la leçon la plus précieuse de Matt Zhang n’est pas que les NFT redeviendront rentables.
C’est que les collectionneurs numériques ont besoin de la même patience et du même jugement que dans toutes les autres parties du marché de l’art.
La technologie ne supprime pas le besoin de connoisseurship.
Un collectionneur doit toujours distinguer une œuvre majeure d’une œuvre mineure, un artiste d’un marketeur, et une importance culturelle d’une attention passagère.
Les collections numériques les plus fortes ne seront pas celles contenant le plus grand nombre de tokens.
Ce seront celles qui préservent des expériences artistiques importantes et documentent comment la technologie a changé la créativité humaine.
L’art numérique mérite une collection sérieuse, mais seulement lorsque les collectionneurs le considèrent comme de l’art plutôt que comme une forme accélérée de spéculation.