Matt Zhang und die Zukunft des Sammelns digitaler Kunst
Matt Zhang begann nicht als Sammler von NFTs, künstlicher Intelligenz oder generativer Kunst.
In seinen Zwanzigern in London interessierte er sich mehr für traditionelle Malerei. Zu seinen frühen Erwerbungen gehörten Werke viktorianischer Künstler wie John William Godward und Frank Dicksee.
Zu diesem Zeitpunkt war digitale Kunst kein Teil seiner Sammelstrategie.
Die Richtung änderte sich, nachdem Zhang 2014 Bitcoin und Kryptowährungen entdeckte.
Sein beruflicher Hintergrund im Finanzwesen machte die Blockchain-Technologie für ihn besonders interessant. Er verstand sie nicht nur als spekulative Anlageklasse, sondern als neue Infrastruktur, die Besitz, Authentifizierung und digitalen Austausch verändern kann.
Von dort an begannen sich seine Interessen an Finanzen, Kunst, künstlicher Intelligenz und Blockchain allmählich zu verbinden.
Bis 2019 erkundete Zhang aktiv NFTs. Zwischen 2019 und 2021 kaufte er eine große Anzahl digitaler Sammlerstücke, darunter mehrere CryptoPunks, die er später verkaufte.
Was als Experiment begann, wurde zu einer ernsthaften Sammelpraxis.
Von der Wall Street zu Hivemind Capital Partners
Zhang arbeitete über 15 Jahre im Finanzwesen in London und New York.
2021 gründete er Hivemind Capital Partners, eine in New York ansässige Investmentfirma mit Fokus auf Web3, Blockchain-Technologie und die digitale Wirtschaft.
Die Investitionstätigkeit des Unternehmens schuf eine natürliche Verbindung zur digitalen Kultur.
Zhang war überzeugt, dass das Wachstum neuer Technologien schließlich neue künstlerische Bewegungen und neue Generationen von Sammlern hervorbringen würde.
Später startete er den Hivemind Digital Culture Fund.
Der Fonds wurde als kuratierte Sammlung von NFTs, generativer Kunst und Werken, die mit künstlicher Intelligenz produziert wurden, geschaffen.
Sein Zweck war nicht einfach das Ansammeln populärer digitaler Token.
Zhang wollte Künstler und Werke identifizieren, die Teil der längeren Geschichte der digitalen Kultur werden könnten.
Diese Unterscheidung ist wesentlich.
Das Internet enthält eine nahezu unbegrenzte Menge digitaler Bilder und Sammlerstücke. Nur ein kleiner Prozentsatz qualifiziert sich als ernsthafte digitale Kunst, und eine noch kleinere Gruppe könnte bleibende kunsthistorische Bedeutung haben.
Starbase 2050 von Huang Rui
Einer von Zhangs wichtigen jüngsten Erwerbungen war Starbase 2050, geschaffen 2024 vom chinesischen Künstler Huang Rui.
Das dreidimensional gerenderte Video erforscht Raumfahrt und die zukünftige menschliche Zivilisation.
Zhang entdeckte Huang Rui, nachdem die Arbeit des Künstlers die Aufmerksamkeit von Elon Musk auf X auf sich gezogen hatte.
Später erwarb er Starbase 2050 bei einer Auktion von Sotheby’s.
Der Weg von der Entdeckung in sozialen Medien bis zum Kauf bei der Auktion spiegelt wider, wie digitales Sammeln zunehmend funktioniert.
Künstler können internationale Zielgruppen erreichen, ohne zunächst durch ein konventionelles Galeriesystem zu gehen.
Sammler begegnen neuen Werken oft zuerst über X, Instagram, Discord oder Online-Communities, bevor sie diese in einem Museum oder auf einer Messe sehen.
Doch Sichtbarkeit allein beweist keine künstlerische Bedeutung.
Sammler müssen weiterhin die Konsistenz der künstlerischen Praxis, die konzeptuelle Tiefe des Werks und dessen Beziehung zu breiteren Entwicklungen in Kunst und Technologie prüfen.
Sougwen Chung und Spectral
Zhang erwarb auch Spectral, geschaffen 2024 von der kanadisch-chinesischen Künstlerin Sougwen Chung.
Chung lebt in London und ist bekannt für die Kombination von Zeichnung, künstlicher Intelligenz und robotischen Systemen.
Ihre Praxis untersucht häufig die Beziehung zwischen menschlichen Gesten und maschinell erzeugter Bewegung.
Spectral wurde auf dem Weltwirtschaftsforum in Davos präsentiert.
Das Werk reflektiert eine zentrale Frage der zeitgenössischen digitalen Kunst: Kann künstliche Intelligenz mehr sein als ein Produktionswerkzeug?
In Chungs Praxis ersetzt die Technologie nicht einfach die Hand des Künstlers.
Sie wird zum Kollaborateur.
Mensch und Maschine lernen voneinander und erzeugen Bilder, die keiner von beiden unabhängig schaffen könnte.
Für Sammler erfordern Werke dieser Art Aufmerksamkeit sowohl für das sichtbare Ergebnis als auch für den zugrundeliegenden Prozess.
Die Software, Daten, robotischen Systeme und Anweisungen können ebenso wichtig sein wie das finale Bild.
Emily Xie und kulturelles Gedächtnis durch Code
Eine weitere von Zhang gesammelte Künstlerin ist Emily Xie.
Die in New York ansässige generative Künstlerin nutzt Code, um komplexe visuelle Kompositionen zu schaffen.
Ihre Arbeiten beziehen sich oft auf asiatisches Kulturerbe, Textilien, Mustersysteme und Formen des vererbten Gedächtnisses.
Generative Kunst entsteht durch vom Künstler festgelegte Regeln.
Der Künstler schreibt Code oder baut ein System, das unterschiedliche visuelle Ergebnisse erzeugen kann.
Das bedeutet nicht, dass der Computer das Kunstwerk unabhängig erstellt.
Der Künstler bestimmt die Logik, Grenzen, ästhetische Richtung und Bedingungen, unter denen sich das Bild entwickelt.
Das Sammeln generativer Kunst beinhaltet daher das Verständnis von Autorschaft und Variation.
Einige Werke existieren als einzigartige Ausgaben.
Andere gehören zu größeren Serien, in denen jedes Ergebnis unterschiedlich, aber vom selben künstlerischen System erzeugt wird.
Digitale Kunst kann auch eine physische Form haben
Zhang glaubt nicht, dass digitale Kunst auf einem Telefon oder Laptop gefangen bleiben sollte.
Er zeigt Werke auf vier Bildschirmen und plant, weitere hinzuzufügen.
Er sammelt auch physische Drucke und Gemälde, die mit digitalen Projekten verbunden sind.
Ein Beispiel ist Alpha Centauri Kid.
Der Hivemind Digital Culture Fund erwarb ein digitales Werk des Künstlers, der außerdem fünf einzigartige physische Gemälde zur Serie schuf.
Eines dieser Gemälde wird im Büro von Hivemind ausgestellt.
Für Zhang schafft die physische Version ein anderes Erlebnis.
Dies ist eine wichtige Entwicklung im digitalen Sammeln.
Viele Künstler arbeiten heute sowohl mit bildschirmbasierten als auch physischen Formaten.
Ein digitales Kunstwerk kann von einem Druck, Gemälde, einer Skulptur, einer speziellen Präsentation oder Installation begleitet werden.
Sammler sollten klären, ob diese verschiedenen Elemente ein Werk oder separate Editionen bilden.
Die Antwort beeinflusst Eigentum, Seltenheit und zukünftigen Wiederverkauf.
Warum traditionelle Sammler skeptisch bleiben
Digitale Kunst stößt bei vielen traditionellen Sammlern noch auf Widerstand.
Ein Grund ist die Geschichte.
Computerkunst gibt es seit etwa einem halben Jahrhundert, doch kryptonative und KI-native Praktiken sind viel neuer.
Sammler sind mit der Konservierung von Ölgemälden, Bronzeskulpturen und Papierarbeiten vertraut.
Sie fühlen sich bei Dateien, Blockchain-Wallets, Softwareabhängigkeiten und sich ändernden Display-Technologien weniger sicher.
Die Präsentation ist ein weiteres Hindernis.
Ein großes digitales Kunstwerk auf einem kleinen Handybildschirm wirkt möglicherweise weniger beeindruckend als auf einer großen Museumsanzeige.
Die meisten traditionellen Sammler haben keinen 100-Zoll-Bildschirm zuhause installiert.
Die physische Infrastruktur, die zur angemessenen Präsentation digitaler Kunst nötig ist, kann daher ungewohnt oder unpraktisch erscheinen.
Die Volatilität von Kryptowährungen hat zudem das Vertrauen geschwächt.
Als die Kryptopreise einbrachen und spekulative NFT-Projekte verschwanden, litt die digitale Kunst unter einem Reputationsverlust.
Sammler behandelten ernsthafte Künstler und rein kommerzielle Token oft als Teil desselben Marktes.
NFTs sind nicht dasselbe wie digitale Kunst
Ein NFT ist ein technologischer Eigentumsnachweis.
Es ist nicht automatisch ein Kunstwerk.
Ein Token kann Zugang, Mitgliedschaft, ein Bild, ein Sammlerstück oder ein Finanzinstrument repräsentieren.
Digitale Kunst sollte anhand künstlerischer Qualität, Kontext und historischer Bedeutung bewertet werden.
Die stärksten digitalen Werke nutzen Technologie, weil sie für das Konzept notwendig ist.
Sie erforschen Fragen wie Identität, künstliche Intelligenz, Automatisierung, Überwachung, virtuelle Umgebungen, Online-Communities und die Zukunft menschlicher Kreativität.
Ein schwaches Bild wird nicht wichtig, nur weil es auf einer Blockchain gespeichert ist.
Sammler sollten technische Neuheit von künstlerischem Gehalt trennen.
Künstler, die den Wandel anführen
Zhang nennt mehrere Künstler als wichtige Figuren in der aktuellen Entwicklung digitaler Kunst.
Dazu gehören Huang Rui, Emily Xie, Sougwen Chung, XCOPY, Tyler Hobbs, Beeple und Refik Anadol.
Diese Künstler repräsentieren unterschiedliche Ansätze.
XCOPY ist mit kryptonativer visueller Kultur und animierter digitaler Bildsprache verbunden.
Tyler Hobbs ist bekannt für generative Systeme und algorithmische Abstraktion.
Beeple, mit bürgerlichem Namen Mike Winkelmann, wurde eine der sichtbarsten Figuren im NFT-Boom.
Refik Anadol schafft großformatige Daten- und KI-Installationen.
Die Vielfalt dieser Praktiken zeigt, dass digitale Kunst nicht als ein einziger Stil verstanden werden kann.
Es ist ein weites Feld mit vielen Technologien, Geschichten und künstlerischen Intentionen.
Zhangs größter Fehler war, zu viel zu kaufen
Zhang glaubt, er habe seinem Instinkt gut gefolgt, als er mit dem Sammeln begann.
Er mochte die Werke, die er kaufte, wirklich.
Sein Hauptfehler war, zu breit und zu schnell zu kaufen.
Das ist ein häufiges Problem in neuen Märkten.
Ein Sammler entdeckt ein spannendes Feld, sieht viele unbekannte Künstler und fühlt sich unter Druck, so viel wie möglich zu erwerben, bevor die Preise steigen.
Das Ergebnis kann eine zerstreute Sammlung mit wenig Tiefe sein.
Zhang ist heute der Meinung, er hätte mehr Zeit darauf verwenden sollen, Künstler kennenzulernen und ihre Motivationen zu verstehen.
Persönlicher Kontakt kann die Wahrnehmung eines Werks durch einen Sammler verändern.
Zu wissen, warum ein Künstler eine bestimmte Technologie oder visuelle Sprache nutzt, schafft mehr Vertrauen als nur der Online-Popularität zu folgen.
Sein Rat ist klar: Weniger Werke kaufen und mehr Zeit mit Betrachten verbringen.
Wichtige Werke zählen mehr als eine lange Liste von Namen
Eine starke Sammlung muss nicht Hunderte von Künstlern umfassen.
Zhang argumentiert, dass die besten Sammler oft bedeutende Werke einer kleineren Anzahl von Schlüssel-Künstlern besitzen.
Das schafft Tiefe.
Ein wichtiges Werk kann mehr über einen Künstler verraten als mehrere kleinere Käufe, die nur dazu dienen, verschiedene Namen abzudecken.
Tiefgründiges Sammeln kann bedeuten, einem Künstler über mehrere Jahre, Technologien oder Werkgruppen hinweg zu folgen.
Der Sammler beginnt zu verstehen, wie sich die Praxis verändert und welche Werke echte Wendepunkte darstellen.
Dieser Ansatz macht die Sammlung auch leichter erklärbar.
Eine klare Gruppe wichtiger Werke schafft eine stärkere kulturelle Identität als eine zufällige Ansammlung modischer Projekte.
Wo man digitale Künstler entdeckt
Digitale Künstler sind besonders online aktiv.
X, Instagram und Discord bleiben wichtige Plattformen.
Künstler nutzen sie, um Werke in Arbeit zu teilen, über Technologie zu diskutieren, Veröffentlichungen anzukündigen und andere Künstler zu unterstützen.
Sammler können viel lernen, indem sie diese Netzwerke beobachten.
Wenn ein angesehener Künstler wiederholt einen anderen Schöpfer erwähnt, kann das auf aufstrebendes Talent hinweisen.
Offline-Veranstaltungen bleiben ebenso wichtig.
Digitale Künstler nehmen an Messen, Ausstellungen, Konferenzen und informellen Treffen teil.
Sammler sollten Online-Recherche mit physischen Erfahrungen kombinieren, wann immer es möglich ist.
Ein großformatiges digitales Werk persönlich zu sehen, kann Bewegung, Klang, Auflösung und räumliche Wirkung offenbaren, die auf einem Handy nicht zu beurteilen sind.
Sicherheit und Cold Storage
Digitale Kunst erfordert sichere Verwahrung.
Wenn NFTs oder andere blockchain-basierte Vermögenswerte on-chain gespeichert werden, muss der Sammler den Zugang zur Wallet schützen.
Zhang empfiehlt Cold Storage.
Eine Cold Wallet hält private Schlüssel von internetverbundenen Geräten fern und reduziert so das Risiko von Hackerangriffen.
Das Prinzip ähnelt dem Schutz eines wertvollen physischen Gemäldes.
Ein Sammler würde einen Basquiat nicht in einem ungesicherten öffentlichen Flur aufbewahren.
Digitale Werke sollten dieselbe Ernsthaftigkeit erfahren.
Sammler sollten Backups anlegen, Wallet-Adressen dokumentieren und sichere Nachfolgeregelungen erstellen.
Ein wertvolles NFT kann dauerhaft verloren gehen, wenn Zugangsschlüssel verschwinden.
Leben mit digitaler Kunst
Zhang ist der Ansicht, Kunst sollte jeden Tag sichtbar sein.
Deshalb nutzt er Bildschirme und physische Drucke, anstatt digitale Werke im Wallet versteckt zu lassen.
Sammler sollten sorgfältig über die Präsentation nachdenken.
Fragen sind unter anderem:
Welche Bildschirmgröße ist erforderlich?
Enthält das Werk Ton?
Soll es kontinuierlich laufen?
Wird spezielle Software benötigt?
Kann die Hardware ersetzt werden?
Gibt der Künstler Installationsanweisungen?
Kann die Datei in zukünftige Formate migriert werden?
Der Sammler sollte auch bestätigen, ob ein physischer Druck vom Künstler autorisiert ist.
Das eigenständige Drucken eines digitalen Kunstwerks kann Urheber- oder Editionsbedingungen verletzen.
Sammeln Sie nicht über Ihre finanziellen Möglichkeiten hinaus
Zhang rät neuen Sammlern, nicht über ihre Verhältnisse zu kaufen.
Digitale Märkte können starken Druck erzeugen.
Preise bewegen sich schnell, Online-Communities erzeugen Begeisterung und Sammler fürchten, eine Gelegenheit zu verpassen.
Das Ergebnis kann irrationales Kaufen sein.
Ein Sammler sollte Werke erwerben, die er auch dann noch schätzen würde, wenn der Marktpreis dramatisch fällt.
Der spätere Verkauf eines wertvollen Werks kann Mittel für neue Erwerbungen schaffen.
Aber der Wiederverkauf sollte nicht der ursprüngliche Grund für jeden Kauf sein.
Sammler, die nur aus Profitgründen einsteigen, werden wahrscheinlich enttäuscht.
Redaktionelle Anmerkung
ArtExpoWorld ist der Meinung, dass Matt Zhangs wertvollste Lektion nicht darin besteht, dass NFTs wieder profitabel werden.
Vielmehr brauchen digitale Sammler dieselbe Geduld und Urteilskraft wie in jedem anderen Teil des Kunstmarkts.
Technologie beseitigt nicht die Notwendigkeit von Kennerwissen.
Ein Sammler muss weiterhin ein bedeutendes Werk von einem weniger bedeutenden unterscheiden, einen Künstler von einem Vermarkter und kulturelle Bedeutung von vorübergehender Aufmerksamkeit.
Die stärksten digitalen Sammlungen werden nicht die sein, die die größte Anzahl von Token enthalten.
Sondern diejenigen, die wichtige künstlerische Experimente bewahren und dokumentieren, wie Technologie die menschliche Kreativität verändert hat.
Digitale Kunst verdient ernsthaftes Sammeln, aber nur, wenn Sammler sie als Kunst und nicht als schnellere Form der Spekulation behandeln.