Alex Estorick: Hybrides Sammeln im Zeitalter der digitalen Kunst
Die Debatte zwischen physischer Kunst und digitaler Kunst wirkt zunehmend veraltet.
Sammler müssen sich nicht mehr für eine Seite entscheiden.
Eine zeitgenössische Sammlung kann Gemälde, Drucke, generative Algorithmen, NFTs, Videoinstallationen und Werke enthalten, die zwischen Bildschirm und physischem Objekt wechseln.
Alex Estorick ist eine der Stimmen, die diese hybride Umgebung erklären.
Er ist mit Right Click Save verbunden, einer redaktionellen Plattform, die geschaffen wurde, um digitale Kunst und Web3-Kultur zu dokumentieren.
Das Projekt entstand parallel zu ClubNFT, einem Unternehmen, das sich darauf spezialisiert hat, Sammler beim Schutz digitaler Vermögenswerte zu unterstützen.
Für Estorick ist die wichtigste Veränderung im digitalen Sammeln nicht technologisch.
Sie ist historisch.
Künstler, die mit Blockchain arbeiten, werden zunehmend im Zusammenhang mit früherer Computerkunst, Konzeptkunst, Video, Performance und Internetkultur verstanden.
Dieser Kontext hilft der digitalen Kunst, über den spekulativen NFT-Boom hinauszugehen.
Digitale Kunst braucht Kunstgeschichte
Der erste NFT-Boom behandelte die Blockchain oft, als hätte sie die digitale Kunst erfunden.
Das war nicht der Fall.
Künstler arbeiteten seit Jahrzehnten mit Computern.
Generative Systeme, algorithmische Bilder, digitales Video und Internetkunst existierten alle lange vor Kryptowährungen.
Die Blockchain führte neue Mechanismen für Eigentum, Herkunft und Verteilung ein.
Die künstlerische Geschichte kam früher.
Estorick argumentiert, dass das Feld leichter zu verstehen wird, weil neue Publikationen und Ausstellungen diese historischen Verbindungen schaffen.
Sammler können digitale Werke nun als Teil einer längeren Geschichte bewerten.
Right Click Save
Right Click Save begann als Online-Magazin.
Später entwickelte es sich zu einem Buch und einem umfassenderen redaktionellen Archiv.
Die Mission war, das entstehende Web3-Kunst-Ökosystem durch detaillierte Gespräche mit Künstlern und Kulturschaffenden zu dokumentieren.
Ein zentrales Prinzip war, dass Künstler eine Rolle dabei haben sollten, wie ihre Werke interpretiert werden.
Das ist wichtig, weil neue Technologien oft Kommentatoren anziehen, die sich mehr auf Märkte als auf künstlerische Praxis konzentrieren.
Right Click Save versuchte, diese Priorität umzukehren.
Technologie wird Teil der Diskussion.
Der Künstler bleibt im Mittelpunkt.
ClubNFT und das Problem der Bewahrung
Die redaktionelle Plattform ist mit ClubNFT verbunden.
Das Unternehmen wurde vom Sammler Jason Bailey gegründet, der online weithin als Artnome bekannt ist.
ClubNFT konzentriert sich auf die Sicherung digitaler Vermögenswerte.
Dies adressiert ein Problem, das viele frühe NFT-Käufer unterschätzten.
Der Besitz eines Tokens bedeutet nicht zwangsläufig, dass das Kunstwerk selbst für immer sicher gespeichert ist.
Die Blockchain kann Eigentumsinformationen enthalten, während die Bild- oder Mediendatei anderswo existiert.
Wenn diese externe Speicherung ausfällt, kann der Token bestehen bleiben, während das zugehörige Kunstwerk verschwindet.
Sammler müssen daher verstehen, wo ihre Dateien tatsächlich gespeichert sind.
Jason Bailey und Artnome
Jason Bailey wurde einer der frühen Befürworter digitaler Kunst und Blockchain-Sammelns.
Über Artnome schrieb er ausführlich über Kunst-Daten, Technologie und aufkommende digitale Kultur.
Seine Arbeit half, die traditionelle Kunstmarktanalyse mit dem sich entwickelnden NFT-Ökosystem zu verbinden.
Die Gründung von ClubNFT erweiterte dieses Interesse von Kritik hin zu Infrastruktur.
Ein ausgereiftes Sammelfeld benötigt mehr als Marktplätze.
Es braucht Konservierungssysteme, Archive, Publikationen und professionelle Standards.
Marina Abramović tritt in die Blockchain-Diskussion ein
Right Click Save führte Gespräche mit Persönlichkeiten wie Marina Abramović.
Abramović ist eine der wichtigsten Performance-Künstlerinnen der zeitgenössischen Ära.
Ihr Engagement zeigt, wie die Blockchain-Kultur über rein kryptonative Schöpfer hinausgewachsen ist.
Etablierte Künstler erforschen digitalen Besitz und neue Formen der Publikumsbeteiligung.
Das validiert nicht automatisch jedes Blockchain-Projekt.
Es zeigt, dass das Medium für Künstler mit langen institutionellen Geschichten relevant geworden ist.
Hans Ulrich Obrist und kuratorische Anerkennung
Der Kurator Hans Ulrich Obrist hat ebenfalls an Gesprächen über digitale und blockchain-basierte Kunst teilgenommen.
Obrist ist bekannt für seine Arbeit mit Künstlern verschiedener Disziplinen und Generationen.
Wenn einflussreiche Kuratoren sich ernsthaft mit digitalen Praktiken beschäftigen, verändert sich die Diskussion.
Die Frage lautet dann weniger, ob NFTs „echte Kunst“ sind.
Wichtiger ist, welche Künstler und Werke historische Aufmerksamkeit verdienen.
Das ist dieselbe Frage, die Sammler in jedem anderen Medium stellen.
Hybrides Sammeln
Estorick verwendet den Begriff hybrides Sammeln, um eine Welt zu beschreiben, in der physische und digitale Objekte koexistieren.
Ein Sammler könnte besitzen:
ein Gemälde;
ein generatives NFT;
einen Druck, der aus Code abgeleitet ist;
eine Videoinstallation;
einen Token, der mit einer physischen Skulptur verbunden ist;
ein Künstlerbuch, das ein Online-Projekt dokumentiert.
Die Kategorien überschneiden sich.
Ein digitaler Künstler kann physische Werke schaffen.
Ein Maler kann blockchain-basierte Editionen herausgeben.
Ein Performance-Künstler kann NFTs nutzen, um Dokumentation oder Teilnahme zu authentifizieren.
Die Sammlung folgt dem Künstler und nicht dem Format.
Bildschirme werden zu Rahmen
Die Display-Technologie hat sich dramatisch verbessert.
Speziell entwickelte Bildschirme können digitale Werke mit hoher Auflösung, genauer Farbe und kontinuierlicher Bewegung präsentieren.
Das ermöglicht es digitaler Kunst, sich natürlicher in Wohnräume einzufügen.
Der Bildschirm wird vergleichbar mit einem Rahmen.
Sammler sollten jedoch nicht davon ausgehen, dass jeder Fernseher das Werk korrekt wiedergibt.
Helligkeit, Seitenverhältnis, Ton und Abspielsoftware sind wichtig.
Der Künstler oder die Galerie sollte Anweisungen zur Darstellung geben.
Digitale Kunst ist oft schwerer zu bewahren als Malerei
Ein Gemälde kann bei richtiger Konservierung Jahrhunderte überdauern.
Digitale Kunst hängt von Technologie ab, die sich schnell verändert.
Dateiformate werden veraltet.
Software funktioniert nicht mehr.
Hardware-Hersteller verschwinden.
Cloud-Dienste werden eingestellt.
Sammler brauchen Migrationspläne.
Ein ernsthafter digitaler Erwerb sollte Informationen enthalten, wie das Werk aktualisiert werden kann, ohne seine Identität zu zerstören.
Das ist digitale Konservierung.
Blockchain löst nur einen Teil des Problems
Blockchain kann transparente Eigentumsnachweise schaffen.
Sie löst nicht alle Bewahrungsprobleme.
Ein Token kann die Herkunft belegen.
Die zugrunde liegende Datei kann dennoch unzugänglich werden.
Sammler müssen daher unterscheiden zwischen:
Blockchain-Datensatz;
Mediendatei;
Metadaten;
Darstellungssystem;
Urheberrecht;
Sicherungskopie.
All diese Elemente benötigen möglicherweise einen eigenen Schutz.
Physische Sammler können schrittweise in digitale Kunst einsteigen
Sammler, die an Gemälde gewöhnt sind, müssen nicht mit komplizierten dezentralen Systemen beginnen.
Sie können mit Künstlern starten, die sowohl digitale als auch physische Werke schaffen.
Ein generativer Künstler kann einen Druck anbieten, der mit einem Algorithmus verbunden ist.
Ein Videokünstler kann ein spezielles Display bereitstellen.
Ein NFT kann von einem physischen Objekt begleitet sein.
Hybride Formate schaffen vertraute Einstiegspunkte.
Der Sammler lernt die Technologie, während er dennoch etwas Physisch-Präsentes besitzt.
Digitale Sammler entdecken physische Kunst
Die Bewegung funktioniert auch in die andere Richtung.
Sammler, die über NFTs eingestiegen sind, kaufen zunehmend Gemälde, Skulpturen und Drucke.
Viele entdeckten die breitere Kunstwelt durch Blockchain.
Später begannen sie, Messen, Galerieeröffnungen und Museumsausstellungen zu besuchen.
Das ist eine der wichtigsten Folgen des NFT-Booms.
Auch nachdem die Spekulation abgekühlt ist, blieb ein neues Publikum zurück.
Publikationen legitimieren neue Felder
Eine ausgereifte Kunstkategorie braucht Sprache.
Kritiker, Historiker und Künstler müssen diskutieren, warum Werke wichtig sind.
Ohne das wird der Preis zur dominierenden Bewertungsform.
Publikationen wie Right Click Save helfen, Archive zu schaffen.
Interviews bewahren die Intentionen der Künstler.
Essays stellen Verbindungen zu früheren Praktiken her.
Bücher erleichtern es Museen und Forschern, das Feld zu studieren.
Diese intellektuelle Infrastruktur kann letztlich wichtiger sein als jeder einzelne NFT-Marktplatz.
Sammler sollten den Kontext bewahren
Digitale Sammler sollten mehr als nur Dateien archivieren.
Sie sollten aufbewahren:
Künstlererklärungen;
Ausstellungsdokumentationen;
Transaktionsnachweise;
Screenshots;
Installationsanleitungen;
Software-Versionen;
Korrespondenz;
Details zu Editionen.
Digitale Kultur verändert sich schnell.
Eine Webseite oder Plattform, die heute zentral für ein Kunstwerk ist, kann innerhalb weniger Jahre verschwinden.
Der Kontext kann schneller verschwinden als das Objekt selbst.
Web3-Sammeln wird erwachsen
Der frühe Web3-Markt feierte Dezentralisierung und schnellen Handel.
Die neue Phase beschäftigt sich zunehmend mit Bewahrung, Wissenschaft und institutioneller Anerkennung.
Das ist eine normale Entwicklung.
Jedes Sammelfeld reift.
Die Fotografie kämpfte einst um Anerkennung.
Videokunst stellte Fragen zum Eigentum.
Konzeptkunst zwang Sammler, Zertifikate und Anweisungen zu kaufen.
Digitale Kunst durchläuft einen ähnlichen Prozess.
Die beste digitale Kunst dreht sich nicht nur um Technologie
Die stärksten Künstler nutzen Blockchain nicht nur, weil sie existiert.
Technologie dient einer künstlerischen Idee.
Das Werk kann untersuchen:
Autorschaft;
Automatisierung;
Identität;
Überwachung;
Eigentum;
Künstliche Intelligenz;
Online-Communities;
den Umlauf von Bildern.
Wenn Technologie zum gesamten Inhalt wird, kann die Neuheit schnell verblassen.
Sammler sollten sich fragen, ob das Werk intellektuell interessant bleibt, wenn die Technologie alltäglich wird.
Digitale Dialoge auf der Art Basel
Die Digital Dialogues der Art Basel in Basel im Juni 2024 spiegelten die zunehmende Ernsthaftigkeit des Feldes wider.
Die Integration digitaler Kunstgespräche in den Kontext einer großen internationalen Messe half, traditionelle Sammler mit Künstlern, Kuratoren und Technologen zu verbinden.
Diese institutionelle Überschneidung ist genau der Ort, an dem hybrides Sammeln entsteht.
Die Kunstwelt ist nicht mehr klar in alte Sammler und Krypto-Sammler getrennt.
Die Zielgruppen beginnen sich zu vermischen.
Redaktionelle Anmerkung
ArtExpoWorld ist der Ansicht, dass die Idee „digital versus physisch“ zunehmend überflüssig wird.
Künstler respektieren diese Grenze nicht mehr, daher sollten Sammler sich auch nicht verpflichtet fühlen.
Die wirkliche Unterscheidung bleibt dieselbe wie immer: wichtige Kunst versus schwache Kunst.
Blockchain kann Eigentum authentifizieren.
Ein schöner Bildschirm kann das Werk zeigen.
Keines davon schafft künstlerische Bedeutung.
Alex Estoricks Betonung von Publikationen und Bewahrung ist daher besonders wichtig.
Der NFT-Boom lehrte Sammler, wie schnell Preise steigen können.
Die nächste Phase muss sie lehren, wie Kultur überdauert.
Eine digitale Sammlung, die ihre Dateien, Metadaten und den Kontext verliert, ist keine Sammlung.
Sie ist eine Liste von Transaktionen.